En los cines a partir del 30 de marzo, El regreso de Casanova reflexiona sobre el tiempo, el cine y la vejez: una película imperdible dirigida por Gabriele Salvatores y protagonizada por Toni Servillo.

Después de la vista previa de Bif&st, Está en los cines a partir del 30 de marzo. Vuelve Casanovala nueva película de Gabriele Salvatoresdada libremente y basada en la novela del mismo nombre de Arturo Schnitzler de 1918. La crisis existencial, la relación entre el cine y la vida, el tema del doble, la matizada dicotomía entre la juventud y la vejez y el inevitable paso del tiempo son puntos clave en todas las películas de Salvatores. Una película que sumerge inmediatamente al espectador una atmósfera suspendida y casi onírica, que también se ve favorecida y expresada por el uso del blanco y negro y el cambio de color. Entre un regalo en blanco y negro y un pasado en color, hay figuras del mismo Leo Bernardi y Giacomo Casanovarepresentados respectivamente en Toni Servillo y Fabrizio Bentivoglio.

Leo Bernardi es un director que trabaja en una película sobre Giacomo Casanova. Es incapaz de completarlo, en una crisis personal más que creativa, y las presiones del productor y la actitud del Festival de Cine de Venecia no ayudan. Para ayudarlo está su editor de confianza, Gianni, quien trabaja día y noche en la película y trata de sacarlo de la inminente depresión. El panorama de la competición es complejo, frustrante e indigesto para Leo, con el rampante y querido director Lorenzo Marino Y amor dejado «en suspenso» por la joven campesina Silvia.

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Tiempo y tema del doblete entre las paralelas a película adentro a a película – Traer de vuelta la revisión de Casanova

Son muchos los temas y sugerencias que aborda Gabriele Salvatores en su obra Vuelve Casanova. En primer lugar, condicionamiento y el peso del tiempo – con su flujo insondable y la lucha igualmente insondable que impone – deambulan a lo largo de la película. El tiempo es relevante, ya que la industria cinematográfica aplica plazos a un director reacio en lugar de a uno en particular. el dolor de vivir hecho indolente. Y el uno es más simbólico, pero no menos pragmático, que se refiere al envejecimiento y para comparar con la juventud y la importancia que ya no existe. Concepto explorado, i una película dentro de una película, a través de la figura del viejo Casanova, luchando con el propio fantasma del pasado, y el deseo de conquistar, en recuerdo de los buenos tiempos, a la joven y bella Mariolina (Bianca Panconi). En el elemento de la realidad -también visualmente ambientado en el tiempo suspendido- Leo se enfrenta a la juventud, y a su promesa de futuro, en su relación con Silvia (Sara Serraiocco). Leo, de 63 años, tiene miedo de salir con Silvia, que tiene toda la vida por delante y, en cambio, no tiene miedo.

En una historia en serie, donde cada pista contiene otras, Salvatores escenifica una reflexión sobre el tema del doble (especialmente querido por el propio Arthur Schnitzler). Está Leo, que tiene él mismo un carácter doble en lorenzo marini (Marco Bonadei), una especie de alter-ego, distinto de sí mismo, que es siempre ahí para recordarle que las generaciones más jóvenes están listas para reemplazar a la vieja guardia que toman como modelo a seguir. Y si Casanova, que tiene un doble en su joven yo y en la figura del teniente Lorenzi (Angelo Di Genio)con el suyo al final de la una película dentro de una película se reta a duelo, a matarlo, y con él también a dar muerte al fantasma, que se ha vuelto difícil e insoportable, su juventud.

Vuelve Casanova. Indiana Production, Babe Film, Rai Cinema, Edi Italian Digital Effects

Cine y vida, vida y cine – Reseña del regreso de Casanova

Para Leo Bernardi, el cine es salvación, refugio y evasión. Es un refugio de los males del alma, de las relaciones humanas que le son cercanas y de aquellas que siente que no tiene los recursos adecuados para gestionar; es un escape de una vida que a menudo se vuelve contra él. En ese sentido, el orden en que los dispositivos de la domótica hipertecnológica se convierten en un hogar va en su contra porque ven su angustia y malestar que es emblemático. O, de nuevo, en la escena (muy divertida) en la que al final del mal día la vida se burla del pobre Leo de una manera grotescamente surrealista al encerrarlo dentro de las puertas de vidrio de un cajero automático. De alguna manera Vuelve Casanova encaja con esa línea temática imaginaria que conecta algunas de las películas estrenadas en los últimos meses: películas personales, más o menos autobiográficas, que reflexionan sobre el cine y su papel en un curso de formación.

Viene a pensar en Los Fabelmanpor ejemplo, aunque esta de los Salvatores no es una carta de amor al cine. Él es una reflexión agridulce sobre la relación entre el cine y la vidauna relación en la que el primero (de leerse probablemente si no autobiográficamente, al menos fuertemente relacionado) es un elemento sanitario, una sangre esencial y un escondite positivo. Tanto Toni Servillo como Fabrizio Bentivoglio son grandes creadores de espectáculos.; también probé en su lugar físico y llena de matices, con la cámara fijada muchas veces y de buena gana en sus cuerpos, aunque sea de forma clara e incomprensible. También cabe destacar la gran actuación de Natalia Balasso en el papel del fiel editor Gianni: un papel que da profundidad e importancia a una figura fundamental en la máquina cinematográfica y que a menudo y de buena gana se subestima. Vuelve Casanova (aquí el tráiler) en cines a partir del 30 de marzo.

Vuelve Casanova. Indiana Production, Babe Film, Rai Cinema, Edi Italian Digital Effects

walter veltroni detrás de la cámara con Cuando, repasando el décimo largometraje de su carrera cinematográfica, entre documentales y películas de ficción. Esta vez traduce una de sus propias novelas, porque incluso en el sector de la ficción ha producido una lista decente de obras, entre las más recientes: los tres libros protagonizados por el inspector Buonvino.

Cuando es el título de la película y también de la historia escrita en papel en 2017 y cuenta la historia de un joven de dieciocho años que, durante un funeral Enrico Berlinguerque recibe un golpe en la cabeza del palo de una manta que le cae encima y acaba en coma a los treinta y un años, despertando, por tanto, a los cuarenta y nueve.

cuando, la trama

El niño John nunca más (neri marcore) por lo que se despierta en el hospital donde sor Giulia (Valeria Solarino) quien le da la triste noticia mientras intenta raparlo: no solo ha terminado su adolescencia, sino también su juventud. Por supuesto, la monja está asustada por el grave impacto que podría causar en el paciente, pero de todos modos se toma en serio la situación (que de todos modos fue popular en los medios) y la lleva a un centro para una recuperación lenta pero completa. Y no solo físicamente.

La película del ex primer ministro salta rápidamente por todos los pasajes del protagonista que podrían parecer más difíciles: a pesar de la evidente atrofia muscular de un hombre que estuvo postrado en cama durante tres décadas, en muy poco tiempo es posible alcanzar unos cuantos paseos. problemas, así como el trauma psicológico se liquida en unas bromas durante los ejercicios de fisioterapia junto al operador Mario (Bruno Maximiliano(b) e igualmente el resultado positivo inmediato de un paciente hospitalizado afectado por una mutación selectiva (fabrizio ciavoni), pero todo se resuelve en un santiamén una mañana durante el desayuno.

Lo que le sucederá entonces a Giovanni es que volverá a la vida que es hoy, con un sinfín de recuerdos preexistentes, con suspiros y dulzura, sin el más mínimo atisbo de cortocircuito mental, pero sin apenas unas sonrisas. meteduras de pata sobre las inconsistencias históricas.

I Cuando no hay nada que se acerque a la credibilidad de una historia contada y construida en la que puedas, quizás, sumergirte y descubrir lo que tiene que decir. Como ya ocurría sistemáticamente en las películas de Veltroni, la personalidad del director y del narrador es lo único que se siente en cada uno de los fotogramas de la película, donde el destino de cada secuencia es un recuerdo de su vida afectiva o, de su cuánto, dónde. decidió que el asunto tenía que irse.

Un salto nostálgico al pasado visto con ojos ingenuos

Más allá de la peculiaridad de la trama -que contiene, entre otras cosas, esa nostalgia canalla por la vida política que siempre estaba en marcha y que ciertamente no sería un problema en sí misma-, el guión de Veltroni (escrito junto a ). doriana leondeff Y simone lenzi) simplifica y banaliza cada evento, apresurándose a pasar de una secuencia a otra, haciendo que todo sea predecible, obvio y, por desgracia, también extremadamente ingenuo. Si se pierde en tiernas autorreferencias, fomenta sentimientos de compartir y comprensión entre quienes vivieron ese período y entienden bien lo que es. Pero el punto es que parece escuchar a hombres de mediana edad intercambiar sus recuerdos de la infancia mientras sonríen con sus colegas, sin el deseo de usar la perspectiva. a partir de la cual es posible describir y hablar incluso a aquellos que no estuvieron allí en esos años y, por lo tanto, no tienen sentimientos apegados a ellos.

Pero está claro que Walter Veltroni no tiene intenciones firmes. Puedes ver en cada imagen cuán apasionante y probablemente incluso personal es su historia. Lástima que haya tanta diferencia entre lo que sientes y el canal que eliges para expresarlo. Esa es esa terrible distinción entre intención y resultado.

La primera temporada de Kindred, la serie producida por Darren Aronofsky, está disponible en Disney+ a partir del 29 de marzo. ¡Aquí está nuestra reseña!

A partir del 29 de marzo, luego de su transmisión en efectos de extensióntambién disponible en Disney+ la primera (y única, lamentablemente: la serie ha sido cancelada) temporada de la misma amable. Historia – ilustrada, entre otros, por darren aronofsky – eso es ciertamente interesante contamina el tema del racismo con la ciencia ficción, el viaje en el tiempo con la esclavituden una sentida y dolorosa aventura en busca de los orígenes de toda la comunidad y de la injusticia que tiene sus raíces en el pasado y en el presente.

Basada en la novela del escritor afroamericano Octavia E. mayordomo y el dramaturgo desarrollado para la pequeña pantalla Branden Jacobs Jenkins, la serie se presenta de esa manera completamente contemporánea que mezcla género político y género cinematográfico, explorando, una vez más, lo que significa ser negro en la América de hoy (y de ayer). Una serie que, si bien no aporta nada nuevo al tema, demuestra ser inteligente en su capacidad para mezclar distintos géneros y situaciones. Un producto sólido y bien construido, que desafortunadamente deja un sabor amargo en la boca para un inevitable final abierto, pero aún así vale la pena la visión.

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Trazado – Revisión amable

2016. Dana 26 años (mallory johnson) acababa de mudarse de Nueva York a Los Ángeles después de vender la casa familiar. Una elección considerada por sus tíos de California, la única familia que quedaba, ciertamente temeraria. Dana llegó justo después de una acalorada discusión en la cena con ellos, después de que Kevin (acciones de miqueas), el camarero que les atendió, tiene el primero de una serie de extraños sueños en los que, por alguna absurda razón, se ve a sí mismo en el pasado. Descubriría que no en el pasado, sino en una plantación del sur a principios del siglo XIX..

Estas «crisis» pronto se vuelven más frecuentes y Kevin pronto se involucra también en esos extraños viajes. Pero, ¿qué significa todo esto realmente? Tal vez en la plantación y el lazo invisible que une a Dana con el pequeño Rufus (david alexander kaplan), hijo del gran terrateniente Tom Weylin (ryan kwanten), ¿hay algún misterio en el origen del hombre? ¿Podría esto estar relacionado con la misteriosa desaparición de su madre años antes? En una referencia constante entre el pasado y el presente, Dana tendrá que luchar para descubrir sus raíces. confrontar el pasado, el suyo propio y el de toda la comunidad.

Hilo prolífico: revisión de Kindred

Ciertamente no son pocos, ya que ¡Escapar! – Salir adelante, yo productos audiovisuales de género mixto con el tema del racismo. El hombre de los dulces, Maestro – El especialista, Ferrocarriles subterráneos, antes de la guerra, país de Lovecraft, A nosotros, ellos – son solo algunos de los títulos que supieron hablar -a través del lenguaje de lo sobrenatural, el thriller o lo fantástico- sobre el racismo y los tiempos de la esclavitud en la sociedad americana contemporánea. A veces películas didácticas, otras veces portales reales, todo parte de una misma tendencia y una tendencia que, hasta el momento, aún parece lejos de agotarse.

Era inevitable, entonces, que después de varias historias de fantasmas y terror, también termináramos dibujando el ciencia ficciónespecialmente viajes en el tiempo. Un mecanismo bien probado (la novela en la que se basa la serie, también, que data del lejano año 1979) que se adapta muy bien a la cuestión, a una contemporaneidad que cada vez se parece más a un eterno regalo, donde el pasado es siempre algo para reinventar, reescribir, mistificar.

amable Producciones de efectos especiales

El peso del pasado: una revisión amable

amable lo que brinda una gran oportunidad para investigar, una vez más, la opresión de toda la sociedad. Un pasado escondido y olvidado que solo se puede entender de verdad reviviéndolo, si no toca el horror de las injusticias y la degeneración. Eso es lo que Dana está haciendo a pesar de descubrir, durante su viaje más largo y difícil, que el pasado no se puede cambiar o borrar trivialmente, pero que aún es necesario enfrentarlo.

En busca de sus orígenes -y, por tanto, también de su identidad-, Dana emprende un viaje alucinante que es también un viaje de formación. La síntesis perfecta e inevitable entre la historia privada y la historia colectiva. Una historia hecha de horrores e injusticias que la serie enfrenta a menudo, sin recurrir a los elementos más agudos e insostenibles que, tal vez, dejarían su equilibrio entre el drama histórico y el género imaginario.

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Historia sólida e interesante: revisión de Kindred

Al enfocarse en los principales problemas de la actualidad como el tema de la mujer y la paternidad, así como el tema racial, la serie mira al pasado para hablar, una vez más, al presente. Al hacerlo, a veces corre el riesgo de no ser lo suficientemente perspicaz, sin ir más allá de una cierta titulación básica. Sin embargo, en su frenesí de tensión y su habilidad para dispensar el ritmo correcto con la cantidad correcta de giros y vueltasno se puede negar que amable es un producto sólido e interesante.

Es una pena, por tanto, que no se le haya dado la oportunidad de desentrañar todos los hilos de su misterio. Un viaje implacable que sigue siendo, sin embargo, independientemente de su destino, una visión interesante. Una inteligente y oscura reflexión sobre el peso del pasado, la memoria y sus orígenes y cómo todo esto se vuelve cada vez más como una herida abierta. Imposible, tal vez, de sanar realmente.